Grafikdesign-Trends – 21 auffällige Stile [2024] 💥

Aktualisiert: 4. November 2024 | vom: Martijn Assie, erstellt seit 20 Jahren Websites und Shops, dazu Experte für Linux, Wordpress, Photoshop und SEO. | EN NL

Während uns die Technologie in unbekannte Gebiete vorstößt, reagieren Designer auf unterschiedliche Weise. Einige lieben die Aufregung und die Neugierde, die das Erforschen mit sich bringt, während andere sich den Zwängen widersetzen und Anti-Establishment-Gefühle zum Ausdruck bringen. Ihre Stile schwanken zwischen rebellischer Innovation und dem Streben nach Eskapismus. Eines ist klar: Die Grafikdesign-Trends von [2024] werden einen bedeutenden Wendepunkt in der Geschichte des Grafikdesigns markieren.

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Das Aufgreifen beliebter Trends kann Ihre Kreativität anregen und Ihre Designfähigkeiten verbessern. Aktuelle und zukünftige Trends in Mode, Fernsehen, Werbung und Medien bieten wertvolle Einblicke in unsere Welt. Designer müssen sich auf kulturelle Veränderungen einstellen, um wirkungsvolle und einprägsame Designs zu schaffen.

Grafikdesigner, die über die neuesten Trends auf dem Laufenden bleiben, haben oft größeren Erfolg. Durch die Entwicklung innovativer, trendorientierter Designs ist es wahrscheinlicher, dass Ihre Arbeit die Aufmerksamkeit der Kunden auf sich zieht. Lass uns eintauchen.

1. Airbrush surrealism

Airbrush Surrealismus ist ein grafischer Stil, der die sanften, verlaufsähnlichen Effekte des Airbrushens mit den fantasievollen und traumhaften Qualitäten des Surrealismus kombiniert. Dieser Stil ist für sein ätherisches und jenseitiges Erscheinungsbild bekannt und schafft Bilder, die über die Realität hinauszugehen scheinen. Der Airbrush-Surrealismus zeichnet sich oft durch weiche, fließende Texturen und lebendige, surreale Landschaften aus, die die Fantasie des Betrachters fesseln. Die Airbrush-Technik ermöglicht eine nahtlose Farbmischung und ein Gefühl von Tiefe und eignet sich daher ideal für die Erstellung fantastischer und faszinierender Szenen.

In jüngster Zeit erfreut sich der Airbrush-Surrealismus wieder wachsender Beliebtheit, insbesondere in der digitalen Kunst und Illustration. Dieser Stil wird verwendet, um ein Gefühl des Staunens und des Eskapismus hervorzurufen, weshalb er eine beliebte Wahl für Albumcover, Poster und Konzeptzeichnungen ist. Durch die Kombination der präzisen Kontrolle des Airbrushing mit der grenzenlosen Kreativität des Surrealismus bietet dieser Grafikstil ein einzigartiges und fesselndes visuelles Erlebnis. Der Airbrush-Surrealismus verschiebt weiterhin die Grenzen von Kunst und Design und lädt den Betrachter ein, die Tiefen seiner Fantasie zu erkunden.

2. Mixed dimensions

Mixed Dimensions ist ein innovativer Grafikstil, der Elemente aus verschiedenen Dimensionsebenen zusammenführt und so ein einzigartiges und fesselndes visuelles Erlebnis schafft. Dieser Stil kombiniert 2D-Flachdesign mit 3D-Elementen, was zu einer dynamischen und vielschichtigen Komposition führt. Designer nutzen diesen Ansatz, um ihrer Arbeit Tiefe und Komplexität zu verleihen und die Grafiken ansprechender und interaktiver zu gestalten. Durch die Kombination flacher Illustrationen mit realistischen Texturen und Schatten erzeugt Mixed Dimensions ein Gefühl von Tiefe und Raum, das die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht und dem traditionellen Design eine moderne Note verleiht.

Dieser Grafikstil ist besonders im Web- und App-Design beliebt, wo Benutzererfahrung und visuelle Attraktivität im Vordergrund stehen. Es ermöglicht Designern, wichtige Funktionen oder Inhalte hervorzuheben, indem sie sie mit 3D-Effekten in den Vordergrund rücken und gleichzeitig mit 2D-Elementen ein klares und organisiertes Layout beizubehalten. Mixed Dimensions wird auch in Branding- und Marketingmaterialien verwendet, um eine unverwechselbare und einprägsame visuelle Identität zu schaffen, die in einem überfüllten Markt hervorsticht. Da die Technologie immer weiter voranschreitet, wird erwartet, dass sich dieser Stil weiterentwickelt und noch mehr Möglichkeiten für den kreativen Ausdruck bietet.

3. 90s psychedelia (Space)

Letztes Jahr erlebte die Psychedelik der 60er-Jahre ein Comeback im Grafikdesign und bot Flucht, indem sie den Betrachter in farbenfrohe, dichte Welten entführte. Dieser Trend wird sich im Jahr [2024] mit der Hinzufügung von Weltraumpsychedelika aus den 90er Jahren weiterentwickeln. Während sich traditionelle Psychedelia von der Natur inspirieren lässt, wie bunte Wolken und schmelzende Pilze, kombiniert Weltraum-Psychedelia Elemente der Vergangenheit und der Zukunft.

Es enthält Retro-Techniken der 90er Jahre, wie Memphis-Design-Muster und Samstagmorgen-Cartoon-Stile, mit Farben, die an Lisa Frank Schulmaterial. Auch futuristische Themen wie Raumschiffe, Androiden, Vaporwave-Umgebungen und Cyberpunk-Neon gehören zu diesem Trend. [2024] Designer blicken optimistisch in die technologische Zukunft, was sich in ihren hellen und fantasievollen Illustrationen widerspiegelt.

4. Folk botanical

Folk Botanical ist ein grafischer Stil, der sich von der traditionellen Volkskunst und der Natur inspirieren lässt. Es zeichnet sich durch komplizierte Muster, Blumenmotive und organische Formen aus, oft mit einer handgefertigten Ästhetik, die ein Gefühl von Wärme und Nostalgie hervorruft. Dieser Stil zelebriert die Schönheit der Natur und die Einfachheit der Volkskunst und vereint sie zu einer zusammenhängenden und charmanten Bildsprache. Designer verwenden eine Vielzahl von Techniken wie Aquarell, Linolschnitt und Stickerei, um den strukturierten und detaillierten Look zu erzielen, der für Folk Botanical-Designs charakteristisch ist.

In den letzten Jahren hat dieser Stil in verschiedenen Designbereichen an Popularität gewonnen, darunter Textilien, Verpackungen und digitale Illustration. Es ist besonders beliebt bei Marken, die ein handwerkliches oder umweltfreundliches Image vermitteln möchten, da die natürlichen Elemente und die handgefertigte Qualität mit diesen Werten im Einklang stehen. Folk Botanical-Designs verfügen oft über eine begrenzte Farbpalette mit Erdtönen und sanften Pastelltönen, um den organischen und rustikalen Eindruck noch zu verstärken. Dieser Grafikstil bietet ein erfrischendes und beruhigendes visuelles Erlebnis und ist daher eine beliebte Wahl für die Heimdekorations-, Mode- und Wellnessbranche.

5. Acid graphics

Acid Graphics ist ein Grafikstil, der sich durch lebendige, oft kontrastierende Farben, verzerrte Formen und ein Gefühl visueller Intensität auszeichnet, das an das Psychedelische grenzt. Dieser Stil lässt sich von der Acid-House-Musikszene und der digitalen Kunst der 1990er Jahre inspirieren und integriert Elemente der Techno-Kultur und der Cyberpunk-Ästhetik. Acid Graphics ist bekannt für seinen kühnen, experimentellen Charakter und kombiniert oft digitale Störungen, pixelige Bilder und Neonfarben, um einen visuell auffälligen und etwas chaotischen Effekt zu erzeugen.

In den letzten Jahren hat Acid Graphics seinen Weg in verschiedene Designbereiche gefunden, von Mode und Albumcover bis hin zu Webdesign und Bewegungsgrafiken. Dieser Stil spricht diejenigen an, die eine mutige Aussage machen und in einer überfüllten visuellen Landschaft hervorstechen möchten. Besonders beliebt ist es in der Musik- und Unterhaltungsbranche, wo seine energiegeladene und rebellische Ausstrahlung mit der Identität der Marken übereinstimmt. Während sich die Technologie ständig weiterentwickelt, bleibt Acid Graphics ein dynamischer und sich weiterentwickelnder Stil, der ständig die Grenzen des konventionellen Designs verschiebt.

6. Retro line art

Retro Line Art ist ein grafischer Stil, der auf die Mitte des 20. Jahrhunderts zurückgeht und sich durch klare, kräftige Linien und eine minimalistische Ästhetik auszeichnet. Dieser Stil ist von den Strichzeichnungen und Illustrationen aus dieser Zeit inspiriert, die oft in Werbung, Plakaten und Comics zu sehen sind. Retro Line Art konzentriert sich auf die Verwendung einfacher, ununterbrochener Linien zur Schaffung von Formen und Gestalten, was zu einer klaren und auffälligen visuellen Wirkung führt. Der Stil umfasst oft eine begrenzte Farbpalette mit einer Vorliebe für monochromatische oder zweifarbige Schemata, was zu seinem Vintage-Charme und seiner zeitlosen Ausstrahlung beiträgt.

Designer nutzen Retro Line Art, um ein Gefühl von Nostalgie hervorzurufen und modernen Designs eine klassische, elegante Note zu verleihen. Besonders beliebt ist es bei Branding-, Verpackungs- und redaktionellen Illustrationen, wo die klaren Linien und die Einfachheit Informationen effektiv vermitteln und gleichzeitig eine stilvolle Ästhetik bewahren können. Aufgrund seiner Vielseitigkeit und Anpassungsfähigkeit eignet sich dieser Stil für verschiedene Anwendungen, von anspruchsvollen Logo-Designs bis hin zu verspielten und skurrilen Illustrationen. Das Wiederaufleben von Retro Line Art im zeitgenössischen Design zeigt die anhaltende Anziehungskraft von Vintage-inspirierten Grafiken und ihre Fähigkeit, sich nahtlos mit modernen Sensibilitäten zu verbinden.

7. Revival of punk

The Revival of Punk ist ein grafischer Stil, der auf den rebellischen Geist und das DIY-Ethos der Punk-Bewegung zurückgeht, die in den 1970er Jahren entstand. Dieser Stil zeichnet sich durch seine rohe Energie, kühne Typografie und anarchische Optik aus. Designer, die sich dem Punk-Revival widmen, verwenden häufig eine Mischung aus handgezeichneten Elementen, Collagetechniken und düsteren Texturen, um ein Gefühl von Trotz und Nonkonformität zu vermitteln. Die Verwendung von Schwarz und Weiß zusammen mit Spritzern lebendiger Farben ist bei Punk-inspirierten Designs üblich, um den Kontrast zu betonen und ein starkes visuelles Statement zu setzen.

Dieser Grafikstil beschränkt sich nicht nur auf musikbezogene oder subkulturelle Themen; Es hat seinen Weg in das Mainstream-Design gefunden und Einfluss auf Mode, Branding und sogar digitale Medien genommen. Das Revival of Punk wird oft verwendet, um die Ausstrahlung und Authentizität einer Marke zu vermitteln oder um sich auf einem konventionellen Markt abzuheben. Es ist ein Stil, der bei Zielgruppen Anklang findet, die nach etwas Anderem und Unkonventionellem suchen, was ihn zu einem leistungsstarken Werkzeug für Designer macht, die etwas bewirken möchten.

8. Reinvented Risograph

Der neu erfundene Risograph-Stil ist eine moderne Variante der traditionellen Risograph-Drucktechnik, die Mitte der 1980er Jahre in Japan entstand. Dieser Stil umfasst die charakteristischen körnigen Texturen und lebendigen, überlappenden Farben von Risograph-Drucken und integriert gleichzeitig zeitgenössische Designelemente. Designer erkunden mit diesem Stil neue Möglichkeiten, indem sie digitale Designtechniken mit dem analogen Charme des Risographendrucks kombinieren. Das Ergebnis ist eine Verschmelzung von Alt und Neu, gekennzeichnet durch kräftige, auffällige Grafiken mit einem ausgeprägten Retro-Feeling.

Dieser Stil ist besonders beliebt bei der Gestaltung von Postern, Zines und anderen Printmedien, wo die einzigartige Ästhetik des Risographendrucks voll zur Geltung kommt. Der „Reinvented Risograph“-Stil verfügt oft über eine begrenzte Farbpalette mit hellen, kontrastierenden Farbtönen, die sich vom körnigen Hintergrund abheben. Designer experimentieren auch mit Schichtungs- und Mischtechniken, um komplexere und dynamischere Kompositionen zu schaffen. Während sich dieser Stil weiterentwickelt, bietet er einen frischen und aufregenden Ansatz für Grafikdesign, der eine Hommage an die Vergangenheit darstellt und gleichzeitig die Zukunft umfasst.

9. Mysticism

Mystik im Grafikdesign ist ein Stil, der sich von spirituellen und mystischen Themen inspirieren lässt und Elemente wie Himmelskörper, Tarotkarten und esoterische Symbole einbezieht. Dieser Stil zeigt oft verträumte Landschaften, kosmische Muster und ätherische Figuren und erzeugt ein Gefühl von Geheimnis und Transzendenz. Die Verwendung mystischer Bilder im Design kann ein Gefühl des Staunens und der Selbstbeobachtung hervorrufen und den Betrachter dazu einladen, tiefere Bedeutungen und Zusammenhänge zu erkunden. Designer verwenden oft eine Kombination aus satten, dunklen Farben und leuchtenden Akzenten, um die mystische Atmosphäre zu verstärken.

In letzter Zeit ist das Interesse an Mystik wieder gestiegen, da Menschen in unsicheren Zeiten nach Sinn und Trost suchen. Dies hat zu seiner zunehmenden Beliebtheit in verschiedenen Designbereichen geführt, von Mode und Schmuck bis hin zu Branding und digitaler Kunst. Mystische Designs sind in Wellness- und Lifestyle-Marken, Buchcovern und Albumcovern zu sehen und spiegeln den Wunsch nach einer Verbindung zum Spirituellen und Unbekannten wider. Die Wiederbelebung der Mystik im Grafikdesign bietet einen Kontrapunkt zur schnelllebigen, technologiegetriebenen Welt und bietet Raum für Kontemplation und Fantasie.

10. Retro-futurism

Retro-Futurismus ist ein Grafikstil, der Elemente des Retro-Designs mit futuristischen Konzepten kombiniert. Dieser Stil lässt sich oft von den Zukunftsvisionen inspirieren, die in der Mitte des 20. Jahrhunderts populär waren, und vereint schlanke Linien, geometrische Formen und kräftige Farbpaletten. Retro-Futurismus schafft eine nostalgische und dennoch zukunftsweisende Ästhetik, die ein Gefühl von Optimismus und Innovation hervorruft. Designer nutzen diesen Stil, um visuelle Elemente zu schaffen, die sowohl an die Vergangenheit erinnern als auch an eine technologisch fortschrittliche Zukunft erinnern.

Im zeitgenössischen Design wird Retro-Futurismus in verschiedenen Medien verwendet, darunter Poster, Branding und digitale Kunst. Besonders beliebt ist es in der Unterhaltungsbranche, wo damit ansprechende und optisch ansprechende Werbematerialien für Filme, Musik und Videospiele erstellt werden. Die Mischung aus Altem und Neuem macht den Stil vielseitig und ansprechend für ein breites Publikum und überbrückt die Kluft zwischen den Generationen. Retro-Futurismus bietet eine einzigartige Möglichkeit, die Schnittstelle zwischen Geschichte und Fortschritt im visuellen Design zu erkunden und zu feiern.

11. Glassmorphism

Glassmorphism ist ein moderner Grafikdesign-Trend, der sich durch ein Milchglas-ähnliches Erscheinungsbild auszeichnet, das ein Gefühl von Tiefe und Transparenz erzeugt. Bei diesem Stil werden häufig halbtransparente Hintergründe mit subtilen Unschärfen verwendet, sodass darunter liegende Elemente teilweise sichtbar sind. Der Einsatz von Licht und Schatten verstärkt den Glaseffekt zusätzlich und erzeugt ein Gefühl von Realismus und Dimensionalität. Glassmorphismus wird häufig beim Design von Benutzeroberflächen (UI) verwendet, insbesondere bei der Entwicklung mobiler Apps und Webschnittstellen, wo es für ein elegantes und modernes Erscheinungsbild sorgt.

Die Beliebtheit von Glassmorphism lässt sich auf seine Fähigkeit zurückführen, eine klare und minimalistische Ästhetik zu schaffen und gleichzeitig visuelles Interesse und Tiefe zu bieten. Es ermöglicht Designern, Informationen zu überlagern und Hierarchien zu erstellen, ohne den Benutzer mit zu viel visuellem Rauschen zu überfordern. Der Schwerpunkt des Stils auf Transparenz und Lichtinteraktionen verleiht ihm ein futuristisches Flair und macht ihn zu einer beliebten Wahl für Technologieunternehmen und digitale Produkte. Da die Technologie weiter voranschreitet, wird erwartet, dass sich Glassmorphism weiterentwickelt und noch mehr Möglichkeiten für innovative Designlösungen bietet.

12. Ausführung schwarz/weiß

Schwarz/Weiß-Design, auch Monochrom-Design genannt, ist ein zeitloser Grafikstil, der ausschließlich auf der Verwendung von Schwarz-Weiß-Farben basiert. Dieser minimalistische Ansatz schafft einen starken Kontrast und eine klare, raffinierte Ästhetik, die Eleganz und Einfachheit vermitteln kann. Der Verzicht auf Farbe lenkt die Aufmerksamkeit auf den Inhalt, die Formen und Texturen und ermöglicht so eine direktere und wirkungsvollere visuelle Kommunikation. Schwarz/Weiß-Design wird häufig in Branding-, Typografie- und Printmedien verwendet, um einen klassischen und raffinierten Look zu erzielen.

Im digitalen Bereich erfreut sich Schwarz/Weiß-Design aufgrund seiner Fähigkeit, eine starke visuelle Wirkung zu erzielen und gleichzeitig eine saubere und übersichtliche Benutzeroberfläche beizubehalten, immer größerer Beliebtheit. Es ist besonders effektiv beim Website- und App-Design, wo die Benutzererfahrung im Vordergrund steht und Klarheit von entscheidender Bedeutung ist. Dieser Stil kann auch ein Gefühl von Nostalgie und Zeitlosigkeit hervorrufen und ist daher eine beliebte Wahl für Projekte, die ein Gefühl von Tradition oder Erbe vermitteln möchten. Trotz seiner Einfachheit bietet Black/White Design eine große Bandbreite an kreativen Möglichkeiten, von kräftig und grafisch bis hin zu dezent und nuanciert.

13. Duochrome Design

Duochrome Design ist ein grafischer Stil, der eine Zweifarbenpalette nutzt, um auffällige visuelle Kontraste und zusammenhängende Kompositionen zu schaffen. Dieser Stil ist für seine Schlichtheit und Eleganz bekannt, da er sich auf das Zusammenspiel von nur zwei Farben konzentriert, um seine Botschaft zu vermitteln. Duochrome Design wird oft verwendet, um ein mutiges und einprägsames Branding zu schaffen, aber auch für minimalistische Poster und digitale Kunst, wo das begrenzte Farbschema die Aufmerksamkeit auf das Thema lenken und eine starke visuelle Wirkung erzeugen kann.

Die Wahl der Farben im Duochrome Design ist entscheidend, da sie sich gegenseitig ergänzen und gleichzeitig genügend Kontrast bieten müssen, um das Design hervorzuheben. Dieser Stil vermittelt besonders wirkungsvoll ein Gefühl von Ausgewogenheit und Harmonie und ist daher eine beliebte Wahl für moderne und zeitgemäße Designs. Außerdem kann es je nach verwendeter Farbkombination unterschiedliche Stimmungen und Emotionen hervorrufen, was es zu einem vielseitigen Werkzeug für Designer macht. Duochrome Design ist ein Beweis für die Kraft der Einfachheit im Grafikdesign und beweist, dass manchmal weniger tatsächlich mehr ist.

14. Natural inspirations

Natural Inspirations ist ein Grafikdesignstil, der sich die Schönheit und Komplexität der Natur zunutze macht. Dieser Stil umfasst Elemente wie organische Formen, Erdtöne und Texturen, die natürliche Materialien wie Holz, Stein und Blattwerk imitieren. Designer nutzen diese Elemente, um Designs zu schaffen, die geerdet, gelassen und mit der Umgebung verbunden wirken. Natürliche Inspirationen werden häufig in Branding, Verpackung und Innenarchitektur verwendet, um ein Gefühl von Umweltfreundlichkeit und Nachhaltigkeit zu vermitteln.

Dieser Stil spricht das wachsende Interesse der Verbraucher an Natur und Umweltschutz an und ist daher eine beliebte Wahl für Marken, die ihr Engagement für diese Werte hervorheben möchten. Durch die Verwendung natürlicher Motive und Farben können Designer ein Gefühl der Ruhe und Beschaulichkeit erzeugen, wodurch sich dieser Stil besonders für Wellness- und Lifestyle-Marken eignet. Natural Inspirations eignet sich auch gut für taktiles Design, bei dem die Verwendung von strukturiertem Papier oder Materialien das sensorische Erlebnis des Designs verbessern und die Verbindung zur natürlichen Welt weiter verstärken kann. Dieser Designansatz spiegelt sich auch in Starter-Vorlagen für WordPress-Themes wie Divi wider.

15. Pop-art und comics

Pop-Art und Comics ist ein lebendiger und dynamischer Grafikstil, der sich von der Popkultur und der Comic-Ästhetik inspirieren lässt. Dieser Stil zeichnet sich durch kräftige Farben, übertriebene Formen und oft humorvolle oder satirische Inhalte aus. Sie entstand Mitte des 20. Jahrhunderts als Reaktion auf traditionelle Kunstformen und umfasste Massenkultur und Konsumismus. Pop-Art und Comics nutzen eine Vielzahl von Techniken, darunter fette Linien, Ben-Day-Punkte und Collagen, um visuell auffällige und sofort erkennbare Designs zu schaffen.

Im zeitgenössischen Design wird dieser Stil in verschiedenen Medien verwendet, von Werbung und Branding bis hin zu digitaler Kunst und Mode. Es ist besonders effektiv, wenn es darum geht, Aufmerksamkeit zu erregen und Botschaften auf unterhaltsame und ansprechende Weise zu vermitteln. Der verspielte und respektlose Charakter des Stils macht ihn zu einer beliebten Wahl für Marken und Designer, die sich von der Masse abheben und ein jüngeres Publikum ansprechen möchten. Pop-Art und Comics beeinflussen und prägen weiterhin die Welt des Grafikdesigns und feiern die Schnittstelle zwischen Kunst und Populärkultur.

16. Psychedelic design

Psychedelic Design ist ein lebendiger und dynamischer Grafikstil, der aus der Gegenkulturbewegung der 1960er und 1970er Jahre hervorgegangen ist. Dieser Stil zeichnet sich durch wirbelnde Muster, lebendige Farben und verzerrte Formen aus und zielt darauf ab, die veränderten Bewusstseinszustände hervorzurufen, die mit psychedelischen Erfahrungen verbunden sind. Psychedelic Design zeichnet sich oft durch kühne, kaleidoskopische Bilder, komplizierte Details und ein Gefühl von Bewegung aus und schafft so ein visuell anregendes und immersives Erlebnis. Es wird häufig in Musikplakaten, Albumcovern und Veranstaltungsflyern verwendet, um ein Gefühl von Kreativität und Rebellion zu vermitteln.

Im zeitgenössischen Design erlebt Psychedelic Design ein Wiederaufleben, indem es sich an den modernen Geschmack anpasst und dabei seine Kernelemente beibehält. Designer experimentieren mit digitalen Werkzeugen, um neue Interpretationen dieses ikonischen Stils zu schaffen und traditionelle Motive mit zeitgenössischer Ästhetik zu verbinden. Psychedelisches Design ist nach wie vor eine beliebte Wahl für Projekte, die ein Gefühl von Freiheit, Kreativität und Nonkonformität vermitteln möchten. Sein anhaltender Reiz liegt in seiner Fähigkeit, die Fantasie des Betrachters zu fesseln und ihn in eine fantastische Welt aus Farben und Formen zu entführen.

17. Tactile Design

Tactile Design ist ein grafischer Stil, der Textur und Körperlichkeit betont, um dem Betrachter ein sinnliches Erlebnis zu bieten. Dieser Stil versucht, die Lücke zwischen dem Digitalen und dem Physischen zu schließen, indem er visuelle Elemente verwendet, die das Gefühl realer Materialien nachahmen. Taktiles Design integriert oft Elemente wie Papiertexturen, Stoffmuster und Prägeeffekte, um dem Design Tiefe und Dimension zu verleihen. Das Ziel besteht darin, ein ansprechenderes und immersiveres Erlebnis zu schaffen, das dem Betrachter das Gefühl gibt, er könne die Hand ausstrecken und das Design berühren.

Im Bereich des digitalen Designs wird taktiles Design immer beliebter, da Designer bestrebt sind, ihrer Arbeit eine menschliche Note zu verleihen. Dieser Stil eignet sich besonders gut für Branding, Verpackung und Webdesign, wo es darauf ankommt, einen einprägsamen und greifbaren Eindruck zu hinterlassen. Taktiles Design kann auch die Benutzerfreundlichkeit digitaler Schnittstellen verbessern, indem es Texturen verwendet, um zwischen interaktiven Elementen zu unterscheiden. Durch die Ansprache des Tastsinns verleiht Tactile Design dem Grafikdesign eine Ebene der Fülle und Authentizität und macht es damit verständlicher und einprägsamer.

18. Voxel Design

Voxel Art, auch bekannt als 3D-Pixel, ist eine Art digitaler Kunst, die „volumetrische Pixel“ verwendet. Sie können damit Animationen, Spiele oder Illustrationen erstellen. 3D-Design ist eine beliebte Technik, die Designer jetzt häufiger verwenden. Es gibt viele Arten von Voxel-Kunst, aber alle basieren auf dem Verbinden von Blöcken, um eine Komposition zu erstellen. Voxel Art, ein klassisches Videospiel, ist aufgrund seines Voxel-Designs sofort erkennbar. Der Adam Sandler-Film Pixels aus dem Jahr 2015 enthält 3D-Illustrationen.

Voxel-Kunst ist ein Stil, der geometrische Formen auf eine Weise verwendet, die Legos sehr ähnlich ist. Es ist leicht zu erkennen und zu unterscheiden. Dieses lustige und verspielte Design stammt direkt aus einem Videospiel. Dieser Retro-Trend wird sowohl Kunden als auch Kunden ansprechen. Geometrische Formen sind eine bevorzugte Wahl für Videospiel- und Technologieunternehmen. Dieser Stil wird verwendet, um Kunden an ihre Wurzeln zu erinnern. Dieses Design ist perfekt für Technologieunternehmen, die auffallen möchten.

19. Illustrationen handgezeichnet

Handgezeichnete Illustrationen sind ein zeitloser Grafikstil, der dem Design eine persönliche und authentische Note verleiht. Dieser Stil zeichnet sich durch seine einzigartigen Unvollkommenheiten und die sichtbare Präsenz der Hand des Künstlers aus, die den Bildern Wärme und Charakter verleiht. Handgezeichnete Illustrationen vermitteln oft ein Gefühl von Nostalgie und Handwerkskunst und sind daher eine beliebte Wahl für Marken, die ihre handwerklichen oder menschenzentrierten Werte hervorheben möchten. Diese Illustrationen können je nach gewünschtem Effekt von einfachen Strichzeichnungen bis hin zu detaillierteren und komplexeren Arbeiten reichen.

In den letzten Jahren erlebten handgezeichnete Illustrationen in verschiedenen Designbereichen, darunter redaktionelles Design, Verpackung und digitale Medien, ein Wiederaufleben. Sie bilden einen erfrischenden Kontrast zur Präzision des digitalen Designs und bieten eine organischere und zugänglichere Ästhetik. Designer verwenden häufig handgezeichnete Elemente, um ihrer Arbeit Persönlichkeit zu verleihen, eine skurrile Stimmung zu erzeugen oder eine intimere Botschaft zu vermitteln. Als vielseitiger Grafikstil können handgezeichnete Illustrationen an eine Vielzahl von Kontexten und Zielgruppen angepasst werden, was sie zu einem wertvollen Werkzeug im Repertoire jedes Designers macht.

20. Jewel tones

Juwelentöne erleben in der Welt des Grafikdesigns ein bemerkenswertes Comeback. Diese Farben zeichnen sich durch ihre satten, tiefen Farbtöne aus und sind von Edelsteinen wie Saphir, Smaragd und Rubin inspiriert. Durch die Verwendung von Juwelentönen entsteht eine auffällige Designpalette, die jedem Projekt einen Hauch von Luxus und Raffinesse verleiht. Diese kräftigen, lebendigen Farben können ein Design hervorheben und ihm ein unverwechselbares Aussehen verleihen, das es von gedämpfteren Farbschemata abhebt.

Designer integrieren häufig Juwelentöne in verschiedene Elemente, von Hintergrundfarben bis hin zu Akzentdetails, um einen optisch überzeugenden Effekt zu erzielen. Der Reiz von Juwelentönen liegt in ihrer Fähigkeit, Eleganz und Tiefe zu vermitteln, was sie zu einer beliebten Wahl für Branding, Verpackung und digitales Design macht. Da sich der Trend immer mehr hin zu gewagteren und ausdrucksstarkeren Farbwahlen verschiebt, werden Juwelentöne bei Designern, die mit ihrer Arbeit ein mutiges Statement setzen möchten, weiterhin ein Favorit bleiben.

21. Abstract Minimalism

Abstrakter Minimalismus ist ein grafischer Stil, der die Einfachheit des Minimalismus mit der Ausdruckskraft abstrakter Kunst verbindet. Dieser Stil zeichnet sich durch die Verwendung klarer Linien, geometrischer Formen und einer begrenzten Farbpalette aus, um Kompositionen zu schaffen, die sowohl optisch auffällig als auch zurückhaltend sind. Der abstrakte Minimalismus konzentriert sich auf das Wesentliche und entfernt alle überflüssigen Elemente, um die Reinheit von Form und Raum hervorzuheben. Dieser Ansatz führt zu Designs, die elegant, modern und oft zum Nachdenken anregen und den Betrachter dazu einladen, die zugrunde liegende Bedeutung zu interpretieren.

In den letzten Jahren hat der abstrakte Minimalismus in verschiedenen Designbereichen an Popularität gewonnen, darunter Branding, Webdesign und Inneneinrichtung. Seine Vielseitigkeit und sein zeitloser Reiz machen es zur ersten Wahl für Designer, die eine anspruchsvolle und zeitgemäße Ästhetik schaffen möchten. Durch die Balance zwischen visueller Einfachheit und abstraktem Ausdruck bietet dieser Stil eine einzigartige Möglichkeit, komplexe Ideen klar und prägnant zu vermitteln. Der abstrakte Minimalismus entwickelt sich weiter und beeinflusst mit seinem Schwerpunkt auf Klarheit und Einfachheit die Richtung des modernen Designs.

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